1樓作品之二

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實地星球

峨塞．達給伐歷得

• 峨塞．達給伐歷得 

  (Born in 1969. 臺灣)

• Audio Guide

        病毒系列，2020

三年前，在臺灣南部，一群與峨塞同部落的年輕人，在其傳統領域進行田野研究後，感染了某種神祕疾病。這次事件讓藝術家想起耆老的口述傳說曾提及，有些土地應要受到保護，不讓人類活動打擾。藝術家於焉創作大型作品，描繪人類侵擾下，荒野釋放出的病毒及細菌。它們有著觸腳、舞動的形體和顎骨，浮游在牆面上，張揚著不安的氣氛。這些圖像令人想起由發明家詹姆斯．洛夫洛克（James Lovelock）及生物學家琳恩．馬古利斯（Lynn Margulis）提出的蓋婭假說，認為地球表面（臨界區）是複雜且具自我調節能力的系統，而每一種元素──無論是岩石、氣體、礦物、水、大氣、土壤──都受到各種生命形態（尤其是細菌）的動作所影響。一如峨塞的壁畫呈現森林對人類入侵的反應，若蓋婭受到攻擊，其可能以反溯循環的方式回擊。

峨塞．達給伐歷得，《病毒系列》，2020，壁畫，900×400 公分。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。

1樓作品之一

 

食事提案
（丹尼爾．費南多．巴斯克瓦 & 阿隆．夏貝）

• 丹尼爾．費南多．巴斯克瓦 

  (Born in 1984. 西班牙)

• 阿隆．夏貝 

  (Born in 1984. 以色列)

        牡蠣間，2020

超抽地下水造成的海岸沉陷，是全球性的開發主義所產生的惡果，從雅加達乃至紐奧良，到處都有同樣的現象，尤其可見於泰國與菲律賓各地的魚蝦養殖池。在這些土地下陷之處，地表成為一層容易變形的皮，反映出地球因體液被抽走而產生的扭曲失衡。自1990年代開始，臺灣西南海岸一帶以每年十公分的速度下陷，密集發展的水產養殖業已造成整個區域地層下陷，面對這點，我們需要思考該如何協助仰賴地下水抽取的土地進行轉型。

臺灣西南海岸的牡蠣養殖業由來已久。生長於近海的牡蠣，並不需要仰賴抽取淡水；作為濾食性生物，牠們在吐納的同時，也可以改善海洋生態，進而打造水質。牡蠣殼不僅是珍貴的石灰資源，也是牡蠣苗附著其上、生長成形的材料。一堆堆閒置於臺南、雲林、嘉義或屏東路旁的牡蠣殼是時光甬道的入口，它們既是過去被食用的牡蠣所留下的殘骸，也是孕育未來將被食用的牡蠣的溫床。

《牡蠣間》的靈感來自具有百年歷史的三合土技術──一種不需要水泥，而是混合牡蠣殼、糯米與麥芽糖的黏著劑。這件現地回應的全新裝置，運用廢棄的牡蠣殼，以其多孔的物質
性重新想像臺灣水域的不同未來。

集結來自海岸生態學、材料科學、工藝與建築遺產的臺灣專家，本計畫研製出一種新的三合土混料，展示這些半永久棲息在水下的海岸生物的形態，並用語音敘事引導觀眾沉浸其中，藉此重新想像人類與海岸共存的他種方式，這個場合也開發讓參觀者的身體在經過改造的貝殼表面上休憩、同時享受在皮膚上用牡蠣殼進行去角質處理。當牡蠣的歷史滲入你的耳石裡，摩刷應可清潔肌膚毛孔中多餘的雜質，這麼一來，或許我們能在夢中隨著這些牡蠣進入一個全新的宇宙，不會耗盡土地資源。

食事提案（丹尼爾．費南多．巴斯克瓦 & 阿隆．夏貝），《牡蠣間》，2020，蚵殼水磨石表面、雕刻床，尺寸視空間而定。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。

 

臺灣口湖鄉沿海出現成堆的牡蠣殼。

2樓作品之三

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蜜卡．羅登伯格

• 蜜卡．羅登伯格 

  (Born in 1976. 阿根廷)

        宇宙生成器（AP），2017

踏進《宇宙生成器（AP）》就如同走入一座萬花筒：影像從地球上的一點移向另一點，來回往復。影片一開始是在美國邊境附近的墨西哥城鎮墨西卡利的一間中國餐館裡。當女服務生掀開餐蓋，我們發現自己似乎被吸進一座隧道，經過幾處轉折，來到了中國的義烏市場。在那裡，小販攤位上擺滿人造花、花環、塑膠玩具、LED，還有林林總總的廉價製品。這些製品通常可在世界上流通無阻，當然也包括第一幕裡墨西哥的餐館，「 然而人和某些產品要通過美墨邊境，可就面臨重重限制了」，策展人瑪歌．諾頓（Margot Norton）提醒我們。彷彿魔法般，我們取道一條長長黑洞，從世界的一處到另一處：這條「全球化」的捷徑。

蜜卡．羅登伯格，《宇宙生成器（AP）》，2017，單頻道錄像裝置，彩色、有聲，26分36秒。藝術家及臺北市立美術館提供。

蜜卡．羅登伯格，《宇宙生成器（AP）》，2017，單頻道錄像裝置，彩色、有聲，26分36秒。藝術家及臺北市立美術館提供。

蜜卡．羅登伯格，《宇宙生成器（AP）》，2017，單頻道錄像裝置，彩色、有聲，26分36秒。藝術家及臺北市立美術館提供。

此作品原由德國敏斯特雕塑展（Skulptur Projekte Münster）委託製作。
製作協力：丹麥路易斯安那現代藝術博物館（Louisiana Museum of Modern Art）、
倫敦Outset當代藝術基金會、希臘複生態當代藝術行動（Polyeco Contemporary
Art Initiative）

製作人及攝影指導：David Hollander (Fourth Density Productions)
演員：義烏國際商貿城老闆及員工、 Cary Cahill、Vicky Ramírez、Penelope
Jefferson、Aevin Dugas、Pete Booth
場景、道具和特技總監：Katrin Altekamp (4DEE Production)
數位成像技術員：Loïc de Lame (Laryenco Production)
布景：Cary Cahill
燈光師：Alan Hostetter
聲音製作：Ronen Nagel and Nati Taub (Sound Around Studios)
特效：Alexander Lemke
製片（中國）：Matt Clarke and Clark Wang
製片助理（墨西卡利）：Audrina Quintanar

2樓作品之二

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黃海欣

• 黃海欣 

  (Born in 1984. 臺灣)

        小確幸之河，2015
        巴塞爾藝術展後，2020

《小確幸之河》一作描繪我們徜徉其中的富足社會。畫面以全景呈現眾人分食蛋糕、享受按摩、五花八門的美好小物，以及遊樂園等情境，與此同時，各種戲劇性的事件──攻擊、地震、暴動──穿插並行，而後方的背景則可見到運作中的石化與核能電廠。

藝術家表示，社群媒體讓她同時體驗到愉悅的時光與可怕的事件。這幅畫作如同一面螢幕，訴說著社群媒體網絡造成的全球文化所帶來的「百感交集」。

鉛筆素描作品《巴塞爾藝術展後》則提供另一種俯瞰的角度，畫中大批人群四處奔走，倉皇的理由卻與前面的《小確幸之河》大相逕庭：作品描繪的是藝術博覽會的撤展。巴塞爾藝術展邁阿密海灘展會（Art Basel Miami）則象徵文化與市場的全球化。

在這件素描裡，博覽會關上對外大門，不再開放給大眾，藝術從業人員則忙著清理空間。這類匆亂的景象在全球各地的藝術市場上屢見不鮮：先由美國的展會打頭陣，緊接著，亞洲的展會也隨即開幕，依次匯聚來自各地的國際畫廊、收藏家、記者與其他全球化的人們──不過今年例外，因為新冠肺炎疫情的緣故，這些人只好全都待在家中。

黃海欣，《巴塞爾藝術展後》，2020，鉛筆、紙，193×488公分。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。

黃海欣，《巴塞爾藝術展後》(局部)，2020，鉛筆、紙，193×488公分。圖像由藝術家及臺北市立美術館提供。

2f作品 之一

 https://www.taipeibiennial.org/2020/zh-TW/Participants/Participants_Content/2?type=global

崔潔

• 崔潔 

  (Born in 1983. 中國)

         中部非洲國家銀行，雅溫德，2020
        西方城門，貝爾格勒，2020
        羅威爾公寓，新加坡，2020
        薩拉姆塔，杜哈，2020
        新北市政府大樓，新北市，2020

現代主義和後現代主義的建築美學，深深吸引著崔潔。其龐大的結構、犀利的外觀，反映出對全球建築美學的嚮往。雅溫德、杜哈、貝爾格勒、新北市的都會建築，是藝術家搜尋靈感的對象。在畫面中，這些建築並非是靜態的，而是被想像為「流」（flux），與道路交錯縱橫，在各種建設和基礎設施匯聚形成的旋風中相擁。

藝術家在自述中說道：
上面所講的這些城市我都未曾去過，但是這些建築對我來說都有一種似曾相識的感覺，似乎在北京和上海見過，但是被拆掉了。過去的四十年，在急遽的城市化進程中[……]對於過去的回憶只能通過想像來完成。

這些作品讓我們一頭栽進後現代神話的象徵次元，也邀請我們開始整理全球建築襲產。

 

崔潔，《中部非洲國家銀行，雅溫德》，2020，壓克力顏料、畫布，200×150公分。藝術家與倫敦Pilar Corrias畫廊提供。

崔潔，《新北市政府大樓，新北市》，2020，壓克力顏料、

畫布，200×150公分。藝術家與倫敦Pilar Corrias畫廊提供。

大廳作品

 https://www.taipeibiennial.org/2020/zh-TW/Participants/Participants_Content/1?type=prelude

費南多．帕馬．羅迪給茲

• 費南多．帕馬．羅迪給茲 

  (Born in 1957. 墨西哥)

• Audio Guide

        Xi mo matlazacan ce cehce，2006
        液態，2015
        士兵（紅），2001
        士兵（藍），2001
        豹人，2017
        羽蛇神，2006

費南多．帕瑪是位具有工程學背景的墨西哥原民藝術家，他所打造的怪奇機器結構物在入館處大廳穿梭流竄。它們每個都是電力、建材、納瓦（又名阿茲特克的文化族群）塑像的異種嵌合體。

藝術家的出身背景是其創作概念的關鍵：在納瓦人的觀點裡，人類不是唯一具有「位格」（persona）的存有。帕瑪認為，
位格原是指稱可以與我們對話的對象，相對於不具意志力的無生命物體。一張桌子、一張椅子、一輛車子，甚至是風與天地山川等現象，都擁有位格。這些不得不擁有的體悟來自對於互惠的需求。它就像一種共生關係，讓溝通的能力，無論是依靠化學作用或基因遺傳，皆能因為責任感而產生連結，進而思考到與人類和周遭環境都建立友誼的可能狀況。

也因此，這些機器怪物在帕瑪眼中都是有生命的。對作品而言，電力作為一股引動的生命力，更勝於一種客觀現象，那麼說它具有位格並不為過。本展以和這些不明個體的不期而遇為開場，至於它們是機器還是有生命則任人解讀。帕瑪就像不同「宇宙學」的轉譯者，甚至可謂外交家，善於用不同方式揉合材質與社會秩序。

費南多．帕馬．羅迪給茲，《士兵（紅）》，2001，木構造、電子電路、感應器與電腦軟體，尺寸視空間而定。
藝術家及臺北市立美術館提供。

費南多．帕馬．羅迪給茲，《羽蛇神》，2016，玉米、電腦軟體、電腦硬體、複合媒材，尺寸視空間而定。
藝術家及臺北市立美術館提供。

費南多．帕馬．羅迪給茲，《Xi mo matlazacan ce cehce》，2006，鋁梯、電線、電子電路與感應器，尺寸視空間而定。
藝術家及臺北市立美術館提供。

藝術家、洛杉磯與墨西哥城 Gaga Fine Arts提供

20201230直播 山居秋瞑 唐王維

中間一段時間空景沒人上台背

可以拉時間軸快速掠過

2016雙年展作文參考

 台北美術館雙年展一遊   502陳昱瑋

我們五年二班首度校外教學，在十一月十七號出遊，下午是去台北市立美術館觀賞兩年一度的 --- 「台北雙年展」。這屆的主題是：「當下檔案˙未來系譜：雙年展新語」，重點是所謂的「詮釋權」。以前沒有網路時，你想要把作品拿給美術館展覽，館方並不會讓你展示─因為你並不是藝術家，即使作品多美也一樣。我覺得這非常不妥，因為照理來說，「美」的作品應該都可以展出；但是現在不同了，你隨時可以將任何一個東西PO到網路上，一定都會有人點閱。相較之下，我認為2014年的雙年展較有趣，而且還有不少互動作品。

這屆最令我滿意的作品是---「光譜」。這件作品是用寶特瓶和顏料水所創作的，明明都是同一個色系，但卻因為亮度的不同，令此作品產生不同層次的同色系與近色系，一點兒都不單調。正如國語課本第四課中所說的『光度和亮度濃淡萬千可以調配出無數色層』。「光譜」這個作品讓我親眼看見第四課課文中描述的景象，藝術家的作品真是令我佩服得五體投地呀！

而這次我最不喜歡的作品是「噴泉」，這個作品是我此生覺得看過最狂的「作品」，應該稱它是「小便斗」，長得超畸形的，作品的作者是杜象，我覺得他太狂了。只不過是買了一個全美都有的小便斗，當然不能展示，但是他有付六塊美金的展覽費用，有了作品的「詮釋權」！因為此作品到今年正好問世「第一百年」，這組作品展示了許多關於「噴泉」的資料。

這次台北雙年展的作品大部分都還不錯，如果我是藝術家，我會把萊茵哈特所創作的石版畫主要顏色改得超亮，否則不管是誰，八成都看不到作品上面的紋路和方格，所以我會調成亮色系，才能讓大家看清楚。

這次的作品都相當有風格，像是「在地球一百種生存的方法」、「光譜」等作品都非常具有特色！而葉爺爺和年輕的葉先生「跨界合作」更是新奇！

至於2018年的雙年展，因為川普就任美國總統，所以下一屆佈展的主題跟內容，肯定會與經濟和戰爭有關!

   

          萊茵哈特所創作的石版畫                    噴泉

2016雙年展作文參考

  2016台北雙年展之旅      502高立瑾 

    這次雙年展由柯林‧狄瑟策展，包含了八十多位藝術家的作品，例如:噴泉、逃生到地球；一百種在地球上的逃生方法……共四十九個作品。但比起上次的「劇烈加速度」雙年展，上一次的主題是關於「環保議題」。而這一次的「當下檔案‧未來系譜:雙年展新語」雙年展屬於詮釋權力的議題:以前只有「政府」有詮釋藝術的權力，現在大家都可以使用「網路」發表自己的意見。上次的雙年展有些讓我印象很深刻的作品，例如:有人在展場裡養烏龜，我覺得很殘忍，因為烏龜原本活得好好的，卻被只顧著賺錢的奸商拿去賣了，真是沒動物權的觀念。

    這次雙年展跳脫出了政府對於作品的解釋權力場域，其中讓我的印象最深刻的，由一個黑色方塊，微微帶點綠色、藍色和紫色構成，是皮耶‧勒吉永根據艾德‧萊茵哈特的版畫製作而成的幻燈片。這個作品從正面看只是一個黑色方塊，但換個角度，就能看到許多不同顏色的色塊，這意謂著；只要轉個角度，就能看見不同的世界。還有一個我也印象很深刻的作品是由一些鮮豔的色塊，組成大約二公尺見方的大作品中間有「big smile」字樣， 旁邊還有一些燈籠、手指等等。這個作品有兩種解讀:第一種是「big」代表北韓想要變大，而「smile」代表南韓注重經濟發展所以人民平均所比北韓高，所以大家都賺到錢，當然笑哈哈的;而另一種解讀是:北韓的金正恩最大所以稱為「big」，而南韓是民主國家，因此人人都有權利，所以微笑著，所以稱為「smile」。

    還有一個讓我覺得很悲傷的作品，它有兩排照片，一排是天災，一排是人禍，天災那邊是被 莫拉克颱風摧殘的臺南市，河被推移，山也崩塌，民也苦不堪言。人禍則是在非洲，戰爭不斷，雖然戰爭已經結束了，但遺留下來的地雷還是會炸死人，所以有些全身裝甲的掃雷的掃雷人還是一直在清除地雷，但老百姓出門時還是提心吊膽，每天都生死未卜。

    有一個作品我覺得需要一點改進，它是一排由淺至深的寶特瓶，但比起寶特瓶，塑膠袋的濫用更嚴重。台灣民眾每年竟用了一八o億個塑膠袋，這些塑膠袋如果換算成二氧化碳的話，就要種五千萬棵樹才能勉強抵銷，我覺得這是空汙的一大主因；還有些動物也是受害者，例如:海龜、魚類等，也常因把許多塑膠袋吞下去而死亡，我想做成的作品是一顆用塑膠袋疊成的地球，直徑大約兩公尺，代表塑膠袋快要淹沒整個地球了，希望大家不要再用塑膠袋了。

    還有其他我沒有介紹到的作品，但因為我對它們的印象沒有很深，所以簡單介紹幾個，有一個被白蟻啃食過後的布，白蟻啃出的花紋的密度從稠密至鬆散，非常有規律，白蟻真是天生的藝術家。還有一個以鎮壓暴動時的黑色盾牌做出的圍欄，圍欄中間是綠意盎然的花園，這意味著政府一直在鎮壓藝術的創意和多樣化。但這次的雙年展沒有上次精彩，希望下次的主題是關於核能污染的議題。 
 big smile

 黑色盾牌

2018雙年展作文參考

 2018台北雙年展觀後感   勝捷

    2018台北雙年展的主題為「後自然:美術館為一個生態系統」，也就是說要把我們的台北美術館當成一個中心，結合許多不同領域的人，用藝術創作的方式，來探討我們人類現在面臨的自然問題，讓這個展覽，不再只是美術館傳統靜態的表現方式。而我認為這個展覽的核心價值應該是人類對環境的省思。

    其中英果‧古騰的「世界處理器」是由一顆顆直徑三十公分的壓克力圓球所製成的發光地球儀，在一片黑漆漆的背景哩，看起來好像真的在宇宙裡看起來真的好漂亮，令我印象深刻。英果把全世界的資訊都用地球儀的方式呈現，一顆球代表一種資訊，讓參觀者一目瞭然。而新伊甸園「太陽能昆蟲箱」則是利用電子元件製作出假昆蟲，利用太陽能讓一些可能已經絕種的昆蟲「復活」，讓牠鳴叫發光。這似乎在告訴我們，因為科技的發達人類無所不能，但是我們為什麼不在昆蟲們還存在時好好保育，而要等牠們絕種後再用科技複製呢?

    「白蟻經濟學」大大顯示出人類的自私，我們為了我們為了找出地下稀有的金礦與銅礦利用了白蟻。另外還有蟻丘的穴室被石膏填滿再被重複切成一片一片，來供我們觀賞，這個作品令我超級不舒服。我們應該跟大自然和平共存，不應該為了研究而破壞白蟻的家。

    「溪山清遠」探討的是越來越嚴重的空汙問題。我想在一片灰色背景中用瓦楞紙裁出人類、動物、昆蟲、山、水都呈現灰灰的顏色，戴上灰灰的口罩，沒有五官面無表情。因為空屋可能會讓你看不到、聽不到、聞不到所以才讓所有物種都沒有五官。

    「後自然」其實就是人為的自然，它其實已經不是我們所認知的「自然」了。整個雙年展圍繞的主題就是人類與大自然的關係，透過大家的創作，讓我們好好思考我們在這環境的角色，是創作者，是破壞者還是與所有的生物平等都是地球的一份子，人類應該運用獨有的智慧，為地球盡一份心力。